23 сентября -Музей українського живопису

23 сентября

Родился Петер Йозеф фон КОРНЕЛИУС (23 сентября 1783, Дюссельдорф — 6 марта 1867, Берлин) — немецкий художник. Дядя композитора Петера Корнелиуса.

Сын хранителя дюссельдорфской картинной галереи, Корнелиус остался сиротой в 15 лет и для заработка начал работать над росписями местных церквей. Этапной стала для Корнелиуса поездка в Рим в 1811 г.: здесь он присоединился к товариществу германских художников, в которое входили Овербек, Пфорр и др. Это сообщество взяло себе название «Союз Святого Луки», а в историю немецкой живописи вошло под полушутливым прозвищем «назарейцы». В 1820-е гг. Корнелиус живёт преимущественно в Мюнхене по приглашению Людвига Баварского, пишет придворные портреты, с 1819 по 1824 становится первым директором Дюссельдорфской Академии художеств.

В 1840 году Корнелиус переезжает в Берлин. К 1840-м гг. относится его последняя работа — впечатляющие размахом и экспрессией эскизы к росписи королевской усыпальницы по мотивам Дюрера. Написанные им в Мюнхене фрески на античные сюжеты в Глиптотеке (1820—1830) и «Страшный суд» в церкви св. Людвига (1836—1840) явились наиболее характерными произведениями немецкого академического искусства этого периода и длительно служили образцами, на которых воспитывалась художественная молодежь Германии.

«Мудрые и неразумные девы».
Ок. 1813. Музей Кунстпаласт. Дюссельдорф


Родился Джеймс Кэролл БЕКВИТ (23 сентября 1852, г.Ганнибал, штат Миссури — 24 октября 1917, Нью-Йорк) — американский художник-портретист.

Джеймс вырос в Чикаго, где его отец начинал свой бизнес с оптового бакалейного магазина. С 1868 года Беквит изучал искусство в чикагской школе School of the Art Institute of Chicago, был учеником Вальтера Ширлоу. Здесь он учился, пока Великий пожар 1871 года не уничтожил город, после чего он отправился в Нью-Йорк и учился в Национальной академии дизайна у Лемюеля Уилмарта. Затем Беквит уехал продолжать образование в Париж.

Вернувшись в Соединенные Штаты в 1878 году, Беквит постепенно стал заметной фигурой в американском искусстве. Его талант рисовальщика обеспечил ему должность профессора в школе Art Students League of New York в Нью-Йорке, где он преподавал с 1878 по 1882 и с 1886 по 1887 годы. Джеймс Беквит принимал участие и в общественной жизни художников — был инициатором создания общества The Fine Arts Society и президентом National Free Art League. Имел много наград, в том числе поощрительную премию на Всемирной выставке 1889 года в Париже и золотую медаль на выставке Atlanta Exposition в Атланте 1895 года и др.

Автопортрет, 1898 год Портрет Марка Твена, 1890


Народилася Сюзанна ВАЛАДОН (23 вересня 1865, Бессін-сюр-Гартамп, департамент Верхня Вьєнна — 7 квітня 1938, Париж) — французька модель і перша жінка-художниця,яку прийняли до французької спілки художників. Мати художника-пейзажиста Моріса Утрілло.

Дівоче прізвище - Марі-Клементін Вала́д. Була донькою незаміжньої пралі. Починала в цирку. Але циркова кар'єра увірвалась через рано отриману травму. У 18 років стала матір'ю позашлюбної дитини. Приваблива зовнішньо молода жінка стала моделлю для декількох французьких художників, серед них Едгар Дега, Анрі Тулуз-Лотрек, Пюві де Шаванн, П'єр-Огюст Ренуар.

За переказами, малювала з дитинства, але нікому не показувала власні малюнки. Їх таки побачили Анрі де Тулуз-Лотрек та Едгр Дега, які і заохочували молоду жінку до малювання. Систематичної освіти не мала. Працювала довго і наполегливо, бо не завжди була упевнена в собі. Її вважають перфекціоністкою, бо могла роками працювати над одною картиною. 1894 року першою серед французьких жінок — художниць отримала членство в Національній спілці образотворчих мистецтв. Обрала псевдонім Сюзанна Валадон.

Сюзаннна Валадон ще за життя отримала визнання як художник. Незважаючи на презирство до жінок-художниць в тодішньому буржуазному суспільстві, мала постійну підтримку від паризької галеристки Берти Вейль. Остання включала картини Сюзанни Валадон в покази власної галереї і провела три персональні виставки художниці.

Сюзаннна Валадон мала два офіційні шлюби. Перший — з біржевим маклером в 1896–1909 рр., закінчився розривом. Сюзаннна Валадон в сорок чотири роки покинула чоловіка заради молодого художника-красеня Андре Уттера, котрий мало відрізнявся за віком від рідного сина художниці. Шлюб із Уттером, пристрасний і важкий, тривав майже тридцять років.

Пьер-Огюст Ренуар.
Портрет Сюзанни Валадон, 1885
Сюзанна Валадон. «Гадалка», 1912


Родился Михаил Иванович САПОЖНИКОВ (23 сентября 1871, Саратов — 1937, Днепропетровск) — украинско-российский художник-символист.

Два года учился в Академии художеств в Петербурге. В 1896 году был направлен в Павлоградскую женскую гимназию Екатеринославской губернии учителем рисования, где преподавал физику Сергей Сергеев-Ценский, будущий известный писатель. Между ними завязалась многолетняя дружба. Возможно, под влиянием Сапожникова будущий классик увлекся рисованием, они вместе ходили на этюды. Сохранился портрет Михаила Сапожникова, кисти Сергеева-Ценского.

Первоначально Михаил Сапожников создавал реалистические пейзажи, портреты и тематические картины. Его работы выставлялись в екатеринославских галереях, а также в Петербурге, Харькове и других городах. С утверждением на рубеже 19-20 веков такого художественного направления как символизм, художник стал убежденным сторонником этого течения в живописи. Сапожников создает картины-притчи с характерной холодной сине-зеленой гаммой, струящимися линиями, недосказанностью. Он остался верен символизму до самой своей смерти в 1937 году после тяжелой болезни. В 1968 году его наследие поступило в дар Днепропетровскому художественному музею.

«Песня свирели»

«Слепые»


Михаил Сапожников создал серии символических картин о событиях революций 1905 и 1917 годов, гражданской войне. Эти трагические годы в истории страны отображаются им через историю мироздания, каждую картину он сопровождает цитатой из Ветхого или Нового Завета. Таинственный мир символов Сапожникова – это мифологические образы и герои сказок, природная стихия и мистика. Во многих работах присутствует вода в различных ее проявлениях: «Мольба волн», «Волна», «На скалах», «Буря ударит»... Образы темной мистической силы навеяны художнику трагизмом эпохи: «Царь тьмы», «Призраки», «Поцелуй смерти». Символизм его образов поднимается до глобальных, космических масштабов. Сам Михаил Иванович считал, что «зритель может подставлять под символический образ бесконечное число индивидуальных, групповых, национальных и других каких угодно значений и получать отдельные выводы, отдельные решения». Последняя прижизненная выставка Михаила Сапожникова прошла в 1925 году. На долгие десятилетия его творчество оказалось основательно забытым и лишь сейчас возвращается к зрителям.

«Царь тьмы»


Родился Фра́нтишек КУПКА (23 сентября 1871, Опочно, Богемия — 21 июня 1957, Пюто, О-де-Сен) — чешский художник, живший во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи и орфизма.

Родился в семье ремесленника. Учился в пражской и венской Академиях изобразительных искусств, создавая картины на исторические и патриотические темы, затем на символические и аллегорические сюжеты. С 1895 года Купка жил в Париже, где продолжил своё обучение.

Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти. Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки. В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм). В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых.

В 1919 году Купка стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже. В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»). В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В начале 1950-х годов Купка приобрёл широкое признание, провёл несколько персональных выставок в Нью-Йорке.

«Автопортрет» «Цветовые плоскости (Большая обнаженная)», 1909


Родился Шарль КАМУАН (КАМУЭН) (23 сентября 1879, Марсель — 20 мая 1965, Париж) — французский художник-фовист.

Учился в Париже в студии Гюстава Моро, где познакомился с Анри Матиссом и другими начинающими художниками: Марке, Руо, Вламинком, Дереном и Мангеном. В дальнейшем все эти люди составили ядро группы фовистов. С 1903 года выставлялся в «Салоне Независимых», с 1904 — в Осеннем Салоне, а также в галерее Берты Вейль, где произошла его сольная выставка.

Из круга фовистов Камуан поддерживал близкие отношения с Анри Матиссом. В 1913 году он сопровождал его в одной из марокканских поездок.В 1913 году Камуан принимает участие в историческом «Armory Show» в Нью-Йорке. После поездки в Кань-сюр-Мер и посещения мастерской знаменитого художника Пьера Огюста Ренуара, Камуан стал писать несколько мягче и выразительнее.

В 1955 году Шарль Камуан был премирован президентом Франции Рене Коти за вклад во французское искусство. Художник дожил до глубокой старости и умер в возрасте 85 лет в Париже. Значительная часть работ Шарля Камуана хранится в парижских музеях, в частности, в Центре Помпиду и Музее Современного искусства, а также частных коллекциях.

«Гавань в Касси», 1905


Народився Поль ДЕЛЬВО (23 вересня 1897, Антхейт, Бельгія — 20 липня 1994, Фюрн, Бельгія) — бельгійський живописець, представник сюрреалізму.

Вивчав архітектуру і живопис в Академії мистецтв у Брюсселі. Від ранніх пленерних пейзажів перейшов у 1920-х до експресіонізму у манері Констана Пермеке. У 1934 році знищив раніше створені роботи і під враженням від живопису Джорджо Де Кіріко і Рене Магрітта звернувся до сюрреалістичної тематики сновидінь. У живопису Дельво, перейнятим відчуженим еротизмом, повторюються одні і ті самі мотиви: у пустельних просторах площ, вокзалів маячать примарні фігури чоловіків і оголених жінок, схожих на сомнамбул («Рожеві вузли», 1937, Антверпен, Королівський музей витончених мистецтв; «Вечірні поїзди», 1957, Брюссель, Королівський музей витончених мистецтв; «Фази місяця», 1939, Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва).

«Дівчина в червоному»

Навмисна загадковість, заглибленість у світ мрій і меланхолічних фантазій, сталість символіки дзеркала, черепа, квітів споріднюють творчість Дельво з мистецтвом декадансу. Під впливом мистецтва Джеймса Енсора з середини 1940-х років у живописі Дельво з'явився мотив скелету. Розробляючи цей сюжет, художник у ряді робіт досяг злиття гротеску із піднесеною монументальністю («Розп'яття», бл. 1951—1952, Брюссель, Королівський музей витончених мистецтв).

«Розп'яття»

Будучи визнаним сюрреалістом, він працював в самотності і ніколи не входив до жодного з об'єднань цього напрямку. Викладав у Державному інституті архітектури і декоративних мистецтв у Брюсселі. Виконав цикл настінних розписів у Палаці конгресів. У 1982 році у м. Сінт-Ідесбальд відкрито музей Поля Дельво.

З циклу «Фази місяця», 1939


Родился Владимир Исаакович ЭРЛИХ (23 сентября 1924, с. Новопавловка Врадиевского района Одесской области – 2001, Израиль) — живописец днепропетровской школы.

Родился в семье рабочего. После войны поступил в Днепропетровское художественное училище, где его учителями были известные мастера Н. С. Погребняк и М. Н. Панин. Уже на третьем курсе принимает участие в областной выставке профессиональных художников. В 1961 году его работы впервые экспонировались на республиканской выставке, а в 1963 году – на всесоюзной. В 1962 году состоялась и первая персональная выставка Владимира Эрлиха. В 1963 году он становится членом Союза художников СССР. Долгое время, с 1951 года по 1984 год, Владимир Эрлих работает в качестве художника на Днепропетровском художественно-производственном комбинате Художественного фонда УССР.

Хотя в наследии художника представлены работы различных живописных жанров (в том числе, натюрморты, пейзажи, тематические картины, рисунки тушью, карандашом, сангиной, акварели), наиболее он известен своим почитателям как художник-портретист. За свою жизнь В. Эрлих написал сотни портретов — лирических, романтических и камерных. Лирическая сторона дарования В. Эрлиха ярко раскрывается и в многочисленных пейзажах. Он любил писать Днепр в разную пору дня и в разное время года. Поэтические образы могучей реки подкупают искренностью и мастерским владением техникой живописи.

В настоящее работы В. И. Эрлиха находятся в частных коллекциях и музейных собраниях (в том числе в Днепропетровском художественном музее, днепропетровском Музее украинской живописи, Днепропетровском историческом музее им. Д. И. Яворницкого).

«Осень», 1961.
Музей украинской живописи, Днепр


Родился Иван Иванович ДУБИШ (23 сентября 1927, с. Лисичево на Закарпатье — 2002) — украинский живописец. Заслуженный художник Украины (1995).

Участник Великой Отечественной войны. С 1946 по 1951 год обучался в Ужгородском училище прикладного искусства у А.Эрдели и Й.Бокшая. В 1952-1958 годах был студентом Киевского художественного института (преподаватели: К.Трохименко, В.Пузырьков, М.Хмелько, Г.Мелихов). Участник художественных выставок: областных - с 1950 года, республиканских - с 1958 года, всесоюзных - с 1967 года. Персональная выставка Ивана Дубиша прошла в Киеве в 1988 году.

Работал в области станковой живописи. Мастер жанровых картин, пейзажей и портретов. Родные Карпаты - одна из основных тем в творчестве художника.

«Дорога», 1964


Создан Донецкий областной художественный музей. Один из крупнейших музеев художественного профиля в Украине, культурный центр Донецка и области.

Музей основан 23 сентября 1939 года как Музей изобразительного искусства. Первым с инициативой о создании в Сталино (Донецке) музея в 1938 году выступил крупнейший советский художник Исаак Бродский. На призыв И. И. Бродского откликнулись художники Москвы, Ленинграда, Харькова, Киева и других городов Союза. Значительный вклад внесли художники Донбасса. В годы войны музей прекратил свое существование. Возрожден с 1958 года как отдел изобразительного искусства Сталинского краеведческого музея, с 1960 года — Сталинская картинная галерея, с 1965 года — Донецкий художественный музей.

Музей сегодня имеет в своей коллекции более 15 тысяч произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства. В постоянно действующей экспозиции музея представлены работы: И. Айвазовского, Ф. Васильева, А. Бенуа, Д. Бурлюка, В. Васнецова, В. Голубкиной, И. Грабаря, Дж. Доу, О. Кипренского, П. Кончаловского, А. Корина, В. Поленова, А. Саврасова, В. Серова, В. Сурикова, Роберта Фалька, И. Шишкина, Т. Яблонской. Из зарубежных живописцев в коллекции представлены в основном полотна немецких, итальянских и голландских художников.

Адрес: Украина, Донецк, бул. Пушкина, 35


Из коллекции музея: И. Айвазовский.
«Лазоревый грот. Неаполь», 1841


Родилась Оксана Викторовна ПОЛТАВЕЦ-ГУЙДА (23 сентября 1956, Киев) — украинский живописец и педагог. Заслуженный художник Украины (2008).

Родилась в семье народного художника Украины Виктора Полтавца. В 1980 году окончила живописный факультет Киевского государственного художественного института, где обучалась у В. Шаталина и Т. Голембиевской. С этого же времени участвует в художественных выставках. Продолжила образование в творческих мастерских Академии искусств под руководством профессора Сергей Григорьева. Член Национального союза художников Украины с 1982 года. Заведующая кафедрой живописи Киевского государственного института декоративно-прикладного искусства и дизайна имени Михаила Бойчука.

Оксана Полтавец-Гуйда создает жанровые картины, пишет портреты, пейзажи, натюрморты. Известные работы художницы – «Последний автобус» (1982), «Поколения» (1987), «Семья» (1988), цикл «Из украинской старины» (1998-2001), портреты выдающихся людей Украины.

«Автопортрет» «Снов», 1980-е


23 сентября 1964 года парижская публика впервые увидела новую роспись потолка зрительного зала Гранд-опера, выполненную Марком Шагалом.


77-летний мастер почти год проработал над росписью плафона площадью 220 м². В своей работе Шагал вернулся к темам влюбленных, музыкантов, танцоров, животных и ангелов. Свою работу Шагал назвал «цветное зеркало шелков и блеска драгоценностей». Идея заключалась в том, чтобы выразить уважение оперным и балетным композиторам.

Художник разделил плафон на 5 цветных секторов: синий, желтый, красный, зеленый и белый. В секторе, окрашенном в синий, — «Борис Годунов» Мусоргского и «Волшебная флейта» Моцарта». На желтом фоне — «Лебединое озеро» Чайковского и «Жизель» Адана. В красном секторе — «Жар-птица» Стравинского и «Дафнис и Хлоя» Равеля. В зеленом — истории любви: «Ромео и Джульетта» Берлиоза и «Тристан и Изольда» Вагнера. На белом — опера Дебюсси «Пелелас и Мелизанда». В центральном кругу купола, вокруг люстры изображены: «Кармен» Бизе, а также работы Бетховена, Верди, Глюка. Кроме того, на плафоне можно увидеть парижские архитектурные достопримечательности: Триумфальная арка, Эйфелева башня, дворец Конкорд и Опера Гарнье.

На открытии перед началом спектакля по балету Мориса Равеля «Дафнис и Хлоя» присутствовали более 2000 гостей. Работа Шагала стала еще одной достопримечательностью Гранд-опера и Парижа.



В Городском музее Амстердама (Stedelijk Museum, Стеделек-музей) 22-23 сентября 2012 года завершилась реконструкция, и музей снова открылся для посетителей.

Городской музей был основан в Амстердаме в 1895 году в качестве музея истории города. В 1920-1940 годах часть фондов музея была передана в другие музейные учреждения. В это же время была создана коллекция современного нидерландского и французского искусства. С 1930 года музей хранил обширную коллекцию произведений ван Гога, которая в 1972 году переехала в собственное здание. Лишь к началу 1970-х годов экспозицию музея покинули последние предметы исторической жилой обстановки, и музей стал выступать в качестве первого в Амстердаме музея современного искусства.

В Городском музее представлены все известные направления современного искусства. Это и классический модернизм (Пабло Пикассо, Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Поль Сезанн, Василий Кандинский, Марк Шагал), художественные группы «Стиль» (Пит Мондриан, Тео ван Дусбург, Геррит Ритвельд) и КОБРА. Казимир Малевич представлен 29 работами (крупнейшее собрание за пределами бывшего СССР). В музее также есть немецкие экспрессионисты, американский поп-арт, видеоарт (Нам Джун Пайк, Брюс Науман), Арте повера и другие современные художники.

Старое и новое здания музея Из собрания музея:
Марк Шагал. «Скрипач», 1912