19 марта -Музей українського живопису

19 марта

Хасэгава Тохаку (1539, Нанао в провинции Ното — 19 марта 1610, Эдо) — японский художник.

Хасэгава Тохаку был мастером монохромной живописи тушью в китайском, а также полихромной живописи в японском стиле на золотом фоне, создавал пейзажи, изображения животных и растений.

Хасэгава Тохаку начинал свой творческий путь, делая рисунки для буддистских монастырей в родной провинции Ното. Затем, в возрасте 30 лет, он переселяется в Киото. Здесь он разрабатывает свой собственный стиль рисунка тушью, имеющий первооснову в школе Кано. Впрочем, произведения Хасэгавы выглядят более декоративно и плоскостно, эти черты легли в основу основанной им художественной школы Хасэгава. Наиболее известными являются его работы в форматах раздвижные двери, а также на ширмах.

Приблизительно в 1590 году мастер создаёт свое легендарное произведение «Сосновый лес» - монохромную живопись тушью на бумаге, в формате двух 6-панельных ширм. В настоящее время Сосновый лес хранится в токийском Национальном музее и включён в список Национальных сокровищ Японии. Это произведение является одним из самых известных примеров использования приёма ёхаку, или "осмысленной пустоты" в японской живописи.

«Сосновый лес», правая сторона


Хрещений Дірк ГАЛС (19 березня 1591, Гарлем - 17 травня 1656, там само) - голландський живописець і графік фламандського походження, який прославився життєрадісними жанровими композиціями. Брат відомого живописця Франса Галса.

Син фламандського сукнороба. Припускають, що перші уроки живопису Дірк отримав від свого старшого брата Франса. З 1627 - член гарлемської гільдії Св. Луки, в якій перебував до кінця своїх днів. У цей період його мистецтво вже отримало певне визнання. У той же час додатковим заробітком для художників була торгівля творами мистецтва.

У його творчості траплялися і портрети, але головною темою його робіт (переважно невеликих за форматом) було зображення веселих компаній, сцен з побуту заможних бюргерів, військових і артистів: занять музикою, танців, пиятик, ігор та всякого роду розваг у тавернах, караульних приміщеннях і розважальних закладах.

«Весела компанія займається музикою на терасі»


Родился Жорж Дюмени́ль де ЛАТУР (19 марта 1593, Вик-сюр-Сей, Лотарингия – 30 января 1652, Люневиль) – французский (лотарингский) живописец, крупнейший караваджист XVII века, мастер светотени.

О жизни Жоржа де Латура (или Ла Тура) известно довольно мало. Родился в семье зажиточного булочника. Возможно, что учился живописи у Клода Дого – единственного на весь Вик-сюр-Сей профессионального художника. Женился то ли в 1617, то ли в 1620, а может, и в 1621. Назначен в 1644 году официальным художником Люневиля (резиденции лотарингского герцога), куда Жорж переехал вместе с супругой. В 1646 году получил должность главного живописца короля.

Ни одно из его произведений не может быть датировано с полной достоверностью. Имя художника было забыто на долгие столетия, и только в начале ХХ века возродился интерес к его незаурядному творчеству.

Художник создавал композиции на бытовые («Шулер», «Гадалка») и религиозные темы («Поклонение пастухов», «Мученичество св. Себастьяна», «Скорбящая Магдалина»), изображал библейских персонажей в обличье нищих и крестьян, предпочитал строгую киноварно-коричневую цветовую гамму. Люди на полотнах де Латура сдержаны в проявлении эмоций, статичны, их внутреннее напряжение, религиозный экстаз в библейских сюжетах, передается лишь взглядами и жестами.

Особенно высоко ценятся «ночные» работы художника, где лица персонажей освещены лишь пламенем одинокой свечи. Свет у Латура – главное средство эмоционального воздействия картины, он создает ощущение торжественности и некоего таинства происходящего.

«Поклонение пастухов»


Родился Алонсо КАНО (19 марта 1601, Гранада — 3 октября 1667, Гранада) — испанский художник и скульптор.

Сын скульптора и архитектора Мигеля Ка́но Пачеко, его мать Мария Альманса Пачеко преподавала рисунок. В 1614 году переехал в Севилью, где учился живописи у Франсиско Пачеко, наставника Веласкеса, а ваянию — у Хуана Мартинеса Монтаньеса. Дружил с Веласкесом. Первое известное полотно — портрет святого Франсиско де Борха — относится к 1624 году. В 1629 году создал свою самую большую работу — алтарный образ церкви Санта Мария де Лебриха в Севилье. В 1638 году перебрался в Мадрид, был близок к графу-герцогу де Оливаресу.

В 1644 году был обвинён в убийстве жены, заключён в тюрьму, подвергался пыткам, но сумел доказать свою невиновность. Переехал в Валенсию с намерением уйти в монастырь. В 1652 году вернулся в родной город, где, при содействии короля Филиппа IV, стал экономом кафедрального собора. Украсил его главную часовню и был назначен главным живописцем собора, но вскоре умер. Похоронен в крипте кафедрального собора Гранады.

Живопись Алонсо Ка́но представляет собой синтез маньеризма и барокко, в ней сильно выражено итальянское влияние. Именем Алонсо Ка́но названа улица и станция метро в Мадриде.

«Аллегорическое изображение короля Испании». Около 1643, Мадрид


Народився Франсуа Жозеф БОЗІО (19 березня 1768, Монако — 29 липня 1845, Париж) — французький скульптор, представник класицизму.

Навчався в Парижі у відомого скульптора Огюстена Пажу. Сприйнятливий і працьовитий, Бозіо успішно оволодів основами професії. Приблизно 1790 року як офіцер французької армії їде в Італію. З 1802 році відновлює заняття скульптурою, його наставником стає знаменитий венеціанський майстер Антоніо Канова. Перебуває у Італії близько сімнадцяти років, а в 1807 році Бозіо повертається до Франції, де його твори користуються успіхом, і художника навіть нарікають «французьким Канова».

«Гіацинт», 1817. Музей Лувр, Париж

У 1807 році бере участь у виготовленні 20 барельєфів для Вандомській колони у Парижі. Виконує кілька скульптурних портретів імператриці Жозефіни. Ліпив погруддя імператора і видних діячів Імперії. У своїй творчості майстер використовує традиції неокласицизму в його пом'якшеному варіанті. Часом у творах Бозіо відчутно виявляються віяння романтизму. Скульптор ідеалізує натуру: жінки у нього завжди красиві і витончені, чоловіки величаві і мужні. Протягом свого довгого життя майстер незмінно користувався прихильністю правителів Франції тієї бурхливої епохи. Бозіо - професор Академії витончених мистецтв, кавалер ордену Почесного легіону, кавалер ордену св. Михаїла, почесний член Інституту Франції (1816 р.), скульптор короля (з 1822 р.), барон (з 1828 р.).

Скульптор створював портрети імператора і обох імператриць, королів і королев, що змінювали один одного, принців і принцес, придворних, полководців і багатьох інших сучасників. Виставляв у Паризькому салоні композиції на релігійні, міфологічні, жанрові теми, працював і як монументаліст, виконуючи державні замовлення.

«Геркулес перемагає Ахелоя, який перетворився на змію», 1824. Музей Лувр, Париж


Элени БУКУРА-АЛТАМУРА (1821, остров Спеце —19 марта 1900, там же) — греческая художница второй половины 19-го века. Первая профессиональная женщина-художник современной Греции и феминистка.

Склонность к живописи проявилась у Элени с детства. Занималась с домашним учителем, а в 1848 году отправилась на учёбу в Италию. Училась живописи в Неаполе и Риме. Есть утверждения, что поскольку в итальянских академиях женщины не допускались к учёбе, Элени училась переодетая в юношу, чему способствовала её мальчишечья фигура. Элени влюбилась и сожительствовала с итальянским художником и революционером Франческо Алтамура, от которого, вне брака, родила трёх детей. Чтобы узаконить свои отношения, Элени приняла католическую веру и вышла за него замуж. Но в 1857 году супруг оставил её и уехал с новой любовницей, английской художницей, забрав младшего сына.

Элени Букура-Алтамура вернулась в Грецию. Пытаясь обеспечить семью, давала уроки живописи барышням Афин. Ее дочь София умерла от туберкулеза в возрасте 18 лет. В 1876 году её сын и восходящая звезда греческой живописи Иоаннис Алтамурас завершил учёбу в Копенгагене и вернулся в Афины. Но вскоре Иоаннис был также поражён туберкулёзом и умер в мае 1878 года. Смерть детей вызвала нервный срыв и привела к сумасшествию. В возрасте 60 лет Элени вернулась на Спеце, где сожгла почти все свои работы. Элени умерла на своём острове, забытая почти всеми, в 1900 году.

Автопортрет Элени Букура-Алтамура, одетой монашенкой «Отчаяние»


Родился Юзеф МЕХОФФЕР (19 марта 1869, Ропчице, Австро-Венгрия — 8 июля 1946, Вадовице) — польский художник, график, витражист, один из крупнейших деятелей движения Молодая Польша.

Ю. Мехоффер изучал живопись сперва в краковской Школе изящных искусств у Яна Матейко и Исидора Яблонскогo, затем учился в венских университете и Академии художеств, в парижской Школе изящных искусств. Был выдающимся мастером художественной графики, офорта, акватинты, литографии. Был создателем большого количества произведений так называемой «бытовой графики»: книжных обложек и иллюстраций, виньеток, экслибрисов, орнаментов, плакатов и инициалов. Занимался проектированием товарных знаков, акций и банкнот. Создал много портретов, в том числе и исторических личностей.

Ю.Мехоффер известен также как автор оконных витражей в стиле Венский Сецессион в церквях Фрибура и Кракова, а также настенной живописи в армянской церкви Львова и в краковском Вавеле. Ю. Мехоффер был одним из основателей Товарищества польских художников «Искусство». В числе его учеников, среди прочих был известный украинский художник Роман Сельский.

«Автопортрет», 1894 «Майское солнце», 1911. Народный музей, Варшава


Родился Сергей Юрьевич (Георгиевич) СУДЕЙКИН (19 марта 1882, Санкт-Петербург – 12 августа 1946, Найак, штат Нью-Йорк, США) – русский живописец, график, художник театра.

Будущий художник родился в семье подполковника Отдельного корпуса жандармов, вскоре убитого народовольцами. В 1897–1909 годах Сергей Судейкин учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, причем в 1902 году был отчислен на один год за показанные на ученической выставке работы «непристойного содержания».

Уже с 1902 года Судейкин начал активно работать как театральный художник, также сотрудничал с журналами, участвовал в многочисленных выставках: «Алая роза» (1904), «Голубая роза» (1907), «Венок-Стефанос» (1908) и др. Его пасторальные, театрализованные работы близки художникам-символистам.

«Пантомима», 1914. Собрание Национальный художественный музей Республики Беларусь

В 1909 г. Судейкин поступил в Петербургскую Академию художеств, в мастерскую Д. Н. Кардовского. У художника завязались творческие отношения с А. Н. Бенуа, а через него и с другими «мирискусниками». В 1911 г. он стал членом объединения «Мир искусства». Тесная дружба связывала его с К. А. Сомовым. Судейкин расписал стены литературно-артистического кабаре «Бродячая собака» – одного из центров культурной жизни Серебряного века.

Но главным увлечением художника стало театрально-декорационное искусство. Он тесно сотрудничал с Мейерхольдом, Таировым и другими театральными деятелями тех лет. В 1913 г. Судейкин участвовал в «Русских сезонах» в Париже, выполнив декорации и костюмы к балетам «Красная маска» Н. Н. Черепнина и «Трагедия Саломеи» Ф. Шмидта.

В 1917 начались странствия художника – Крым, Тифлис, Баку, Батум… С 1920 года Судейкин жил в Париже, где продолжал работать с русскими театрами, стал сценографом кабаре «Летучая мышь» Н. Ф. Балиева. В 1923 Судейкин переехал в США, где много работал для нью-йоркской «Метрополитен-опера»: оформил балеты И. Ф. Стравинского «Петрушка» (1924), «Соловей» (1925), «Свадебка» (1929); оперы «Садко» Н. А. Римского-Корсакова (1929), «Летучий голландец» Р. Вагнера (1930) и др. Последние годы жизни тяжело больной художник провел в нужде.

«Автопортрет» «Карусель», 1910


Родился Джозеф (Йозеф) АЛЬБЕРТС (19 марта 1888, Ботроп, Германия — 25 марта 1976, Нью-Хейвен, штат Коннектикут) — немецкий и американский художник, дизайнер, поэт, теоретик и преподаватель.

Родился в Рурской области в семье ремесленника. Работал учителем в начальных школах Рура. В 1913—1916 г. занимался в берлинской Королевской школе искусств, художественноӣ академии Эссена. В 1919—1920 годах учился в Мюнхене, у Франца фон Штука. В 1920 г. Альбертс стал студентом высшей школы Баухаус в Веймаре. В 1922 году он создаёт в Баухаусе новую мастерскую художественного стекла, а затем возглавляет там мастерскую мебели. Под влиянием конструктивизма Баухауса (где одним из его главных наставников был Ласло Мохой-Надь) перешёл к гораздо более строгому абстрактно-геометрическому стилю, увлекаясь т. н. диафаниями, прозрачными композициями на стекле, исполненными с помощью пескоструйного аппарата.

В 1933 году, после прихода к власти нацистов, одним из первых эмигрировал в США. Преподавал в колледже Блэк-Маунтин в Эшвилле, Северная Каролина до 1949 года. Среди его учеников были В. де Кунинг, Р. Мозеруэлл, К. Ноланд и Р. Раушенберг. В 1950 году возглавил кафедру дизайна в Школе искусств Йельского университета, где читал лекции до 1960 года.

К 1970 г. Альберс стал почётным членом четырнадцати школ и академий; в 1971 г. состоялась ретроспективная выставка его работ в Метрополитен-музей. В последние годы своей жизни художник создавал в основном монументальные настенные композиции для общественных зданий, в том числе для Аспирантского центра Гарвардского университета, издательств «Тайм» и «Лайф» в Нью-Йорке, Музея истории искусств и культуры в Мюнстере и т.д.

Центральным фактором в живописи Альберса является цвет; эта особенность перешла ещё от его занятий художественным стеклом. Один из основных приёмов живописи Альберса — цветовое варьирование неизменяемой формы. Его станковые серии с годами становились все более лаконичными, представляя собой цветовые вариации в пределах одной и той же геометрической сетки. Вершиной его творчества считаются выходившие начиная с 1950 года серии картин маслом, графики и сериграфии под общим названием «Во славу квадрата» (Homage to the Square). В этом цикле главными модулями служат квадраты, как бы «вложенные» один в другой и составляющие разнообразные хроматические «фуги».

В 1963 г. мастер опубликовал теоретический труд «Взаимодействие цветов» («Interaction of Color»), в котором изложил свои идеалы стерильно-чистой формы как необходимой первоосновы творчества.



19 марта 1898 года в Санкт-Петербурге торжественно открылся для посетителей «Русский Музей Императора Александра III» (ныне Государственный Русский музей). Это был первый в стране государственный музей русского изобразительного искусства, сегодня крупнейшее в мире собрание русского искусства. Главное здание музея находится в центре Петербурга, на площади Искусств.

Музей основан в 1895 году по Указу императора Николая II. В настоящее время коллекция Русского музея насчитывает более 400 тысяч экспонатов и охватывает все исторические периоды и тенденции развития русского искусства, все его основные виды и жанры, направления и школы более чем за тысячу лет: с Х по ХХI век.

Основная экспозиция расположена в Михайловском дворце (архитектор К. Росси, 1819–1825 гг.), во флигеле Росси и корпусе Бенуа (бывший Выставочный павильон Академии художеств), который составляет часть дворцового ансамбля. К музейному комплексу также относятся Мраморный и Строгановский дворцы, Михайловский (Инженерный) замок, а также садово-парковые ансамбли – Летний сад с Летним дворцом Петра I и Михайловский сад.

19 марта 1997 года было основано Международное Общество «Друзья Русского музея».




Народився Леонід Опанасович АНТОНЮК (19 березня 1950, с. Плоска Рівненської обл.) – дніпровський художник-живописець, педагог. Заслужений діяч мистецтв України (2007).

Першим учителем Антонюка став Анатолій Жежер, який у 1960-ті викладав у художній школі в Рівному. За порадою свого вчителя Леонід поїхав до Дніпропетровська, де з 1966 по 1970 рік навчався в художньому училищі. Його викладачами були К.Беркута, Я.Калашник. Потім закінчив Київський державний художній інститут у 1978 році (педагоги з фаху - 0. Лолухов, В. Гурін, Л. Вітковський). Бере участь у художніх виставках з 1979. Член Національної спілки художників України з 1985. У 1990-х роках Антонюк багато подорожує: Седнів, Крим і Північний Кавказ, Вірменія і Франція, що знайшло відображення у творах художника. У 1992 році відбулась перша персональна виставка у Дніпропетровську. Чоловік відомої української художниці і педагога Олени Пахомової. Леонід Афанасійович викладає у Дніпропетровському театрально-художньому коледжі. Серед його учнів відомі художники - Олег Голосій, Олег Ясенєв, Олександр Рєзник та інші.

Основні твори: «Син» (1978), «Листи» (1979), «Портрет художниці Пахомової О. А.» (1987), «Осінь» (1988), «Білий натюрморт» (1991), «Портрет Ніколайчук Н. І.» (1993), «Портрет народного художника України Гуріна В. І.» (2008).

»Натюрморт з півоніями», 2010. Музей українського живопису, м.Дніпро


19 березня 1990 року в Сімферополі в Будинку художників відкрилася Перша Всесоюзна виставка творів кримськотатарських художників.

Ініціаторами виставки були майбутній директор Кримськотатарського музею мистецтв Ісмет Аблятіфович Заатов і відомий український художник Мамут Чурлу. Організаторами виставки виступили Кримська організація Спілки художників України та Координаційний центр з відродження кримськотатарської культури.

На виставці були представлені твори живопису, графіки, скульптури та предмети декоративно-прикладного мистецтва сучасних кримськотатарських художників: Е.Ізета, А.Алієва, Р.Усеїнова, М.Чурлу, Р.Нетовкіна, І.Аблаєва, З.Трасинової, С. Османова, Р.Емінова, Н.Якубова, А.Білялова, І.Веліуллаєва, І.Шейх-Заде, А.Усеїнова, Х.Мемедляєва, А.Сеїт-Аметова, С.Якубова. Експонати виставки в 1992 році увійшли до зібрання Кримськотатарської національної галереї, створеної на базі Сімферопольського художнього музею. Зібрання Галереї послужило базою для створення Кримськотатарського музею мистецтв.